Firma páginas web


 

 
El Neoimpresionismo y el Postimpresionismo


El Neoimpresionismo
Diferencias con el impresionismo
Representantes más importantes
El Postimpresionismo



Doce girasoles en un jarrón.
Van Gogh. 1888


       Tarde de domingo en la isla de la Grande
      Jatte G.P. Seurat (1884-1886)
El Neoimpresionismo
En el diccionario de pintura moderna se encuentra la definición de Neoimpresinismo como: "este término fue creado por los mismos pintores del movimiento o por su portavoz Arséne Alexandre, quien lo empleó por primera vez en la revista L´arte Moderne, de Bruselas, el 9 de Septiembre de 1886." Se considera como creador y líder máximo del impresionismo a Georges Seurat.
Es una modalidad del impresionismo ya que los impresionistas habían formulado varios principios los cuales les iban a servir de base, pero a la vez se da como una reacción en contra de él. El apego a dichos principios van a ser lo que los diferencia de los neoimpresionistas, pero se oponen al impresionismo debido a que muestran preocupación por el volumen.
Las formas son concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien redondeadas, donde la luz y las formas va a hallar una unión perfecta. Es por ello que sus cuadros van a ser modelos de orden y claridad. En este estilo se vuelve a la ordenación de los cuadros y de los viejos principios de composición.
El fundamneto del estilo Neoimpresionista se va a encontrar en la pincelada, la cual siemrpe se ve encontrada con el principio de la desición de tonos. Lo que hace que los cuadros parezcan mozaicos. Esta tendencia no duró mucho tiempo, debido a que necesitaba una paciente elaboración así como una gran diciplina, algo que no era muy compatible con los artistas impresionistas.




La gran ola de Kanagawa.
Hokusai (1823-1829)

Influencia del arte Japonés

Para el Neoimpresionismo el arte japonés tuvo gran influencia. Japón ya se conocía en muchos lugares en el siglo XVI, en el siglo XVII ya se comenzaban a coleccionar piezas de porcelanas así como abanicos en las clases aristocráticas, más tarde en el siglo XIX se trabajaban de gran manera los grabados. No es sino hasta 1868 que Japón se abre por completo a Occidente donde se comienzan a conocer los llamados Ukiyo-e-hanga, estos grabados se exponen en toda Europa por lo que van a tener gran importancia debido a todas las novedades que estos aportaban, ya que dieron un gran impacto en cuanto a la renovación de los sistemas representativos.


Dichos Ukiyos pasaron a ofrecer una gran alternativa encontrando así una nueva forma de realidad. Estas obras estaban pintadas, y representaban en las pinturas un mundo superficial y fugaz. Todas estas representaciones artísticas japonesas fueron difíciles de aceptar por las clases elevadas.
No fue entonces sino hasta 1880 cuando los pintores de esa época vieron en estas grandes obras algunos descubrimientos aptos para renovar su arte. Algunos de estos descubrimientos fueron:

  • Tratan de recuperar el dibujo y el trazo, cosa que no se hacía en el impresionismo.
  • Los colores eran usados en las imágenes sobre superficies planas, con poca matiz pero nunca perdiendo la intensidad en la lejanía.
  • Mediante el dibujo se transmiten las calidades de las materias, de la forma y del volumen.
  • Tratan de captar de gran manera el gesto mediante la idea de la instantánea.
  • El espacio tiene una nueva organización, usando la diagonal y la línea del horizonte se coloca más alta, para tratar así que las figuras se vayan escalonando.
  • En una misma composición se usan diversos puntos de vista, lo que hace que las composiciones sean asimétricas y desdentradas.
  • Se prefieren los formatos alargados.
  • Se observa gran afinidad por los detalles, por las situaciones insólitas, así como por las siluetas.

Con todo esto se desecha cualquier tipo de convencionalismo anterior, y van a ser novedades de gran importancia influyendo en artistas importantes como: Lautrec, Van Gogh, Matisse, entre otro.


La técnica Puntillista o Divisionista

El impresionismo tuvo una falla muy grave que fue la de desproveer de importancia a los temas, composición, autor y espectador del único sentido de la pintura: La Estética. Por ello el puntillismo trata de recuperar de cierta manera el carácter científico de dicha investigación de los colores, mediante los diversos estudios sobre los colores, así como de sus combinaciones, para poder ser ejecutados por medio de pinceladas muy minuciosas que van a evitar la mezcla heterogénea que hacían los impresionistas. Se puede decir de una manera más clara, que la técnica del puntillismo consiste en pintar a base de pequeños puntos de color puro.



El Palacio Papal en Aviñón.
Paul Signac (1900)

La técnica de pintar a base de la aplicación de los colores por medio de pequeños puntos ya había sido utilizada por pintores como Sisley y Pissarro, quienes pertenecieron al impresionismo. El puntillismo, se dice que fue creado y desarrollado en primera instancia por Seurat, el cual lo denominó en un primer momento "cromo-luminismo", y con el pasar de los años se le denominó puntillismo gracias a la forma de las pinceladas, o divisionismo debido a la rígida separación de los colores primarios y locales en puntitos.


The dinning room
Paul Signac
Signac, Cross y Pissarro fueron otros autores importantes para este movimiento artístico, al igual que los divisionistas italianos, quienes se vinculaban al anarcosindicalismo y que a su vez terminaron por despegarse de sus homónimos franceses. En el impresionismo, los puntos más cercanos pertenecían a diversos matices similares dentro de una misma zona de color, pero en el divisionismo solamente se alteran los puntos de colores complementarios puros.

Las características más importantes del puntillismo que lo van a diferenciar del impresionismo son:
  • En el puntillismo la imagen va a adquirir una identidad desconocida.
  • La obra se comienza al aire libre, pero a diferencia del impresionismo se termina en el taller.
  • Se encuentra nuevamente la diferencia entre la obra definitiva y el boceto.
  • Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que ayuda a la pérdida de la espontaneidad.
  • Se observa una marcada tendencia a la esquematización de las formas y los volúmenes simplificados.
  • Existe la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el impresionismo era al revés, debido a que la luz incidía sobre los cuerpos.
  • Existen mayores conexiones con el simbolismo.

Representantes más importantes
Pissarro, Cross, Regoyos, entre otros, van a ser unos de los seguidores del impresionismo, aunque en las obras de dichos artistas no se encuentra un puntillismo puro, debido a que ellos pintaron colocando pinceladas en líneas paralelas, dando previamente una capa unificada de color. A pesar de ello cada autor es considerado de manera distinta ya que cada uno tiene influencias y tendencias diferentes. Los representantes más importantes de este período son Seurat y Signac.

Georges Pierre Seurat (1859-1891), fue el precursor del puntillismo. Poseía un carácter muy metódico. Estudió a diversos pintores anteriores a él, como a Delacroix y a Veronés, así como también le apasionaron de gran manera los escritos de Leonardo Davinci. Siempre le interesó de gran manera el color, lo que lo llevó a estudiar los tratados de luz y color. Se basó en la obra de Charles Blanc: La gramática de las artes del dibujo, para deducir así que "el color sometido a leyes fijas podía enseñarse al igual que la música". Estudió el tema de la complementariedad de los colores.



Las modelos (1886-1888)


El Chahut (1889-1890)
Seurat afirma que toda práctica debería estar regida por la observación. Para él era necesaria la utilización de colores puros y complementarios ya que al observar una obra puntillista la retina procede a fundir los puntos de color. El fundamento del color viene dado por la división del tono en sus componentes integrantes.

Entre sus obras más representativas se encuentran: Un baño de Asnières, Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, Modelo de espalda, Modelo de pie, Modelo sentada de perfil, Las modelos, Port-en-Bessin, Antepuerto con pleamar, Joven empolvándose, El Chahut, El circo, entre otras.
   
Tarde de domingo en la isla de la
Grande Jatte (1884)


El Boulevard de Clichy
Paul Signac (1863-1935), es considerado como un divulgador y propagandista del puntillismo. Descubrió a los artistas impresionistas cuando tenía 15 años, como punto de partida tuvo a Monet a pesar de que luego se separó de él, para acercarse posteriormente a Seurat. Era mucho más extrovertido que Seurat, el cual tenía miedo de que sus descubrimientos pudieran ser aprovechados y ser copiados.

Siempre le obsesionó la idea de llegar a un arte objetivo. En 1899 escribe "De Delacroix al Neoimpresionismo", la cual va a ser una obra donde se fundamenta el puntillismo. Fue un gran colorista tomado siempre en cuenta por la vanguardia posterior. Tuvo gran influencia en el Fauvismo, sobre todo en Matisse. Su pincelada puntillista también influyó en el futurismo.


La Boya roja
 
The lighthouse at Honfleur (1886)
Entre sus obras se encuentran: El palacio papal en Aviñón, El Sena en Asnières, la boya roja, entre otros.

El Postimpresionismo
El postimpresionismo fue un término que se usó por primera vez en 1910 por el crítico ingles R. Fry por motivo de la exposición titulada Manet y los postimpresionistas la cual se realizó en las Galerías Grafton de Londres. En esta exposición se presentaron diversas obras que mostraban la reacción ante la crisis interna del impresionismo en el período comprendido entre 1880 y 1905. Manet fue conciderado como unos de los precursores de dicha crisis. Con el nombre del postimpresionismo no se designan las diferentes maneras que presentan algunos artistas del último cuarto del siglo pasado. Dichos pintores surgieron como reacción a ciertas formas de expresion anteriores, tales como el realismo y el impresionismo. El postimpresionismo se caracteriza por la libre expresión de las emociones de cada artista y por el poco cuidado en la representación de las apariencias naturales, las cuales estaban de moda entonces.




Retrato de Père Tanguy (1887-1888)
Van Gogh



Madre y niño (Década de 1890)
Maurice Denis

Este fue un estilo indefinido de raíces impresionistas y fue origen de muchas otras tendencias. En el postimpresionismo se experimentan diversas formas de aplicar la pintura, desde los toque puntillistas hasta grandes manchas de color. En este período empieza a aparecer la visión personal del artista, dándole siempre importancia a las teorías del color y su efecto sobre el espectador. El contenido de dicha pintura es mucho más comunicativa pero nunca dramática. La solidez en la arquitectura de Cezanne, la visionaria pintura de V. van Gogh que era muy sensible a los diversos significados emocionales que se ocultaban en las cosas, la búsqueda sintetista de P. Gaugin sobre la eficacia del color y las formas abstractas, así como las composiciones de los primeros siglos de Matisse van a oponerse al naturalismo que se va a ver vinculado a las apariencias de las cosas.

En 1912 el mismo Fry organizó otra exposición de postimpresionistas en el mismo lugar, las Galerías Grafton de Londres, pero esta vez no se limitó a la pintura francesa, sino que presentó a diversas escuelas y ejemplos de otras ciudades como Inglaterra, Rusia, Suiza, Austria, Hungria, Alemania e Italia. En esta exposición de los tres grandes maestros de la primera época del postimpresionismo sólo quedaba Cezzane, quien representaba a Francia junto con Matisse, Picasso, Rousseau, entre otros.
La contrubución más reciente que dio a la historia el postimpresionismo la proporcionó la exposición denominada "postimpresionismo", hecha en Londres en 1979, donde se ampliaron y profundizaron aun más las primeras indicaciones críticas de Fry, considerando en toda su especialidad los diversos impresionismos, los cuales van desde la matización idealista y naturalista de la pintura alemana, pasando por el simbolismo belga representado por el grupo Les XX y la Libre Esthetique, hasta llegar al compromiso social y componentes espirituales del divisionismo italiano.


Lectora (1896) E. Vuillard




Autorretrato ante el espejo (1880)

Principales exponentes del Postimpresionismo
Entre los exponentes más resaltantes de dicho período artístico se encuentran:

Henri de Toulouse-Lautrec
(1864-1901), perteneció a una familia aristocrática, pero al fracturarse ambas piernas su padre lo rechazó a pesar de tener siempre el apoyo de su madre. Ingresa en el taller de Cormont en 1883, allí conoce a Van Gogh, a Gausuin, entre otros; pero la persona más importante para Lautrec fue Degas, ya que se sintió atraído por los mismos temas que él: bailarinas, caballos, entre otros. A pesar de esto siempre existieron grandes diferencias entre ambos artistas.

Lautrec toma como punto de partida al Expresionismo. En un principio contacta algunas cosas del Impresionismo, pero luego lo abandona ya que su interés era distinto a éste. Representa muy poco al paisaje, ya que le llaman mucho la atención los seres vivos como las figuras humanas en movimiento. Posee gran capacidad para captar la psicología de seres humanos en movimiento, gestos, bailes, actuaciones. Para él el tema siempre es lo primordial. Es, junto con Gauguin, el introductor del las grandes áreas de color plano.


L'Abandon ou les deux Amies (1895)

Admira de gran manera el arte japonés. Utiliza como medio de expresión el dibujo. El uso de su dibujo no corresponde con el concepto de la academia, ya que el trasladar la imagen al lienzo no le sirven solamente para reproducir las apariencias, sino que también demuestra la expresión que provoca en él los objetos. Lautrec mezcla en una misma composición el óleo, la tiza, el pastel y la tinta china. Utiliza técnicas mixtas que le van a permitir crear diversos efectos. Usa las diversas técnicas con gran maestría mezclándolas unas con otras. Es el creador del cartel moderno, introduciendo aspectos que van a influir posteriormente en la publicidad. En los carteles relaciona siempre el texto con las letras; así como trata de representar imágenes limpias, eficaces y muy llamativas.



El jockey (1899)
En 1884 se instala en Montmartre. A pesar de que tiene graves problemas con la bebida es uno de sus períodos más fértiles, donde su concepto de dibujo lo lleva a deformar la figura. Realiza carteles muy famosos para los cabarets más conocidos del momento. Su primer cartel fue para Moulin Rouge en 1891. En este mismo año se instala en bares de burdeles encontrándose a gusto con el entorno. Muchas de las personas que lo rodearon posaron desnudos para él haciéndolo gratis.


Entre sus obras más resaltantes se encuentran: Amazona en el circo Fernando, Baile en el Moulin Rouge, Justine Dieuhl en el jardín de Père Forest, Moulin Rouge: La Goulue, La Goulue entra con dos mujeres al Moulin Rouge, Ambassadeur: Aristide Bruant, Jardín de Paris: Jane Avril, Mujer poniéndose las medias, El salón de la Rue de Moulins, Yvette Guilbert, El Jockey, entre otras.
En mayo de 1889 fue internado en un manicomio de Saint Rémy en donde permanece por un año, jamás dejando de pintar, mostrando en dichas pinturas las evidencias de sus desequilibrios. Al salir del manicomio se establece en Auvers, donde es acogido por el famoso doctor Gadchet, gran amigo de su hermano Théo. Aquí pasó sus últimos meses sintiéndose muy sólo. El 27 de julio de 1890 se pegó un tiro el que le quita la vida días después.
 
   
Moulin Rouge: La Goulue (1891)



Road with Cypress and Star (1890)
Las obras más representativas de Van Gogh son: Los comedores de patatas, Retrato de Père Tanguy, La'rlesienne: Madame Ginoux con libros, El café nocturno de la Place Lamartine de Arlés, Terraza del café de la Palce du Forum en Arlés por las noche, Doce girasoles en un jarrón, El puente de Langlois en Arlés con lavanderas, La noche estrellada, La habitación de Vincent en Arlés, La catedral de Auvers-sur-Oise, retrato del doctor Gachet con rama de dedalera.

Paul Cézanne (1839-1906), fue una persona muy importante para la vanguardia del siglo XX. Fue muy admirado por Picasso y Matisse. Se apartó del impresionismo al observar como la unilateralidad del impresionismo hizo que se perdieran las sensaciones del volumen de los objetos. Intentó armonizar el impresionismo mediante el racionalismo de la gran pintura clásica sugiriendo lo que sólo los cubistas se atrevieron a hacer, que era usar las formas geométricas teniendo en cuenta que las formas se pueden reducir a la esfera, el cilindro y el cubo.


La Montaña Sainte-Victorie

Su padre le dio una formación humanística muy amplia. Una de sus primeras formaciones fue en Aix-en Provence haciendo cursos que tenían como puntos de partida a David e Ingres. Sus primeras obras fueron copias. Se traslada luego a París en 1861 para empezar su carrera como pintor. Comenzó a copiar en el Louvre a Caravaggio, Rubens, Zurbaran, Velásquez, entre otros. Allí descubre también la pintura del romanticismo y del realismo tomando como referencia as Delacroix, en el cual encontró una pintura muy apasionada de gran contenido literario. Sin embargo, no pudo entrar a la academia de Bellas Artes de París, lo cual significó su primer fracaso, lo que lo va aislando cada vez más debido a la incomprensión del entorno.


Una Olympia moderna (1873)
Su vida se divide en 4 etapas:
La primera etapa es llamada Etapa Romántica, se desarrolla entre 1861 y 1870. Aquí se ve muy influenciado por Delacroix. Su pintura es densa, empastada y con mucha materia. La obra más representativa de dicho período es: Una Olimpia Moderna.


La segunda es la llamada Etapa Impresionista, se desarrolla entre 1871 y 1878. En 1874 participa en la primera exposición del grupo impresionista presentando su obra llamada Olimpia Moderna y La casa del ahorcado. Tuvo gran rechazo, lo que hizo que no participara en la segunda exposición, pero lo vuelve a intentar en la tercera en 1878, repitiéndose las críticas en su contra rechazándose su estilo de pintura. Aquí se traslada a Aix-en-Provece para poder así pintar de manera más libre. Pasa luego una temporada en L´Estaque el cual poseía un paisaje muy luminoso, restringiendo así lo colores ocres para empezar a captar de mejor manera la luz del sur, que lo ayuda a aclarar su gama de colores. Luego se muda a Auvers-sur-Oise donde Pissarro lo ayudó a aclarar aun más su paleta.



La casa del ahorcado en Auvers
(1872-1873)


El mar en L´Estanque (1876)
Gachet fue el primer coleccionista de Cézanne, adquiriendo sus obras en el momento en que la tensión con su padre frenara su economía. La casa de Gachet le ofrece un paisaje más otoñal, apareciendo aquí en Cézanne un rasgo que más tarde se acentuará: la exaltación de los volúmenes. Practica una pincelada plana inclinada, lo que va a revalorizar el plano pictórico dando más identidad a los objetos que él representa. Existe una tendencia a marcar los planos bordeando los volúmenes tratando así de que la estructura de la forma no desaparezca por la incidencia de la luz y del color. En esta segunda etapa las pinturas más importantes van a ser: la casa del ahorcado en Auvers y el mar en L´Estanque.


La tercera etapa se denomina Constructiva, se da entre los años de 1878 y 1887. Aquí Cézanne supera los planteamientos del impresionismo, el cual para él se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. En esta época se instala en Aix-en-Provence y comienza a plantearse un modo de pintar que responde a la esencia de la realidad siendo cada vez más exigente con la esencia de los objetos. Intenta de nuevo decomponer el fundamento de la realidad pero esta vez a través de su propia experiencia. Adoptó como suyo el bodegón, un género que había sido desprestigiado obligándole a tener grandes sesiones debido a la necesidad de aprender el objeto. Observa con detenimiento frutas, viendo sus variaciones con el tiempo, así como los pliegues de los manteles, terminando enyesando los manteles y pintando frutas de cera. Siempre busca el ángulo más evidente del objeto, los ensambla en diversas posiciones consiguiendo con ello la arquitectura del cuadro.


Grandes bañistas (1900-1905)



Mardi Gras (1888)
La cuarta y última etapa es la llamada Sintética, se desarrolla entre 1888 y 1906. Aquí el pintor lleva las últimas consecuencias del método que usó en su etapa constructiva. Entre las obras más resaltantes de dicho período se encuentran: Mardi Gras, Los jugadores de cartas, Muchacho con chaleco rojo, Cebolla y Botella, Grandes bañistas, naturaleza muerta con manzanas y melocotones, la montaña Sainte-Victorie vista desde la carretera de Bibémus, la montaña Sainte-Victorie vista desde Les Lauves.
 
 
 
 
Ver otras áreas:


Más Servicios de RENa

| Mapa del sitio | Equipo de trabajoWebmaster |

© Todos los Derechos Reservados por RENa Copyright 2008