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El expresionismo

Los primeros movimientos expresionistas aparecieron en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX (entre 1907 y 1910), fueron desarrollados principalmente en Alemania un país socialmente tenso en ese entonces. De innumerables ramificaciones y matices, tomaron elementos de la pintura de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin , cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la mueca del trazo.


El expresionismo


Se dice que el inventor de la palabra "expresionismo" fue un Julien-Auguste Hervé, un pintor francés quien expuso con este título sus cuadros en el Salón de los Independientes en 1901. Pero este término no surgió en Francia. Fue en la Secesión berlinesa de 1911, donde se expusieron, junto a los cuadros habituales de los impresionistas, obras de una nueva tendencia que agrupaba a Braque, Derain, Dufy, Picasso, Vlaminck, y otros. Con artistas integrantes del fauvismo y del cubismo que en Alemania eran catalogados por aquel entonces bajo el título de expresionismo. El expresionismo en Alemania empezo a surgir en 1905, el año en que Kirchner funda el grupo Die Brüke junto a Bleye, Heckel y Schmidt-Rottluff, a quienes más tarde se unieron Nolde y Pechtein en 1906 y Otto Müller en 1910.


Titulo: Figura y Máscara
Autor: Nolde
Museo: Kunstmuseum de Basilea
Características: Óleo sobre lienzo



El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador.
Los expresionistas también encontraron la fuerza expresiva que buscaban en el arte de otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.
Lo importante en este movimiento es la forma y el sentimiento del autor, pese a que como tendencia artística revive en la escultura y la pintura.

Las soluciones del expresionismo rara vez se reducen a un concepto simple, se busca mostrar el sentimiento humano abiertamente y se toma a la pintura como un medio de desahogarse y de ver la vida con otro punto de vista. Esta tendencia parte del supuesto que "la naturaleza tiene dificultades por su propia estética", por lo que el individuo debe descubrirla con sus sentimientos. El expresionismo es un arte de Oposición, al positivismo: ya de Nietzsche a Wedekind una parte de la inteligencia germana intentaba demostrar la falsedad del espejismo positivista y romper su rígida envoltura. Es sobre esta crítica y oposición al positivismo se proyectan las líneas de fuerza de los expresionistas. Para los expresionistas la realidad era algo que había que experimentar desde la más profunda interioridad , y así apelaban a vivencias corporales y emocionales del mundo más que a su captación por el ojo.

El expresionismo pretende intensificación de la realidad, esto es, a la impresión que recibe el ojo los expresionistas trabajan con una mediación subjetiva intensificada entre la realidad y la tela. Las técnicas de construcción prefieren la tradición artesanal a la tecnología moderna: los chorros de pintura industrial, los grandes tamaños del formato, el uso del color y el olvido del pincel son comunes al interior de este estilo. Sus exponentes más destacados son el noruego Edva-rd Munch (1863-1944) y el austríaco Oskar Kokoschka (1886-1980)


Características en la pintura
Fuerza psicológica y expresiva mediante colores fuertes y puros, cuyas combinaciones son al azar, con líneas que expresan la angustia que estos autores sienten frente a la vida.


George Rouault,
“Prostituta frente al espejo” (1906)

Jackson Pollock,
Senderos ondulados (1948 )

Los colores puros, son colocados en la tela para provocar distorsión de sus líneas y de las figuras que forman, pero su disposición en la tela refleja un simbolismo que va más allá de las líneas simples.
Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.

Vincent Van Gogh

Ernst Ludwig Kirchner
Autorretrato con uniforme (1915)
Destacan en sus pinturas los colores azul, amarillo y verde para contrastar con la simplicidad del blanco y el negro. Son frecuentes los rostros desfigurados y tristes.


Características técnicas en la pintura
El drip: Es la aplicación directa de la pintura al lienzo colocado en el suelo. Este método inmediato y directo fue creado por Pollock.

Action painting: Consiste en derrochar grandes manchas de color en el lienzo. Un arte interior, abatido y atormentado que se concibe como una excavación en la superficie de una sociedad hipócrita

La libertad frente al modelo, la expresión del temperamento del artista y la concesión de un lugar privilegiado al color puro que se aplica sobre grandes superficies, sin que el colorido guarde relación alguna con la realidad, son los principios esenciales del Expresionismo . Como otras vanguardias artísticas de su época, el movimiento expresionista posee una naturaleza reaccionaria en contra del impresionismo que se entiende como un arte superficial. Alcanza su máximo desarrollo en Alemania, desde donde se difunde a todo el mundo occidental.


Su sendero es seguido asiladamente por varios pintores de diferentes países, el belga Ensor, el suizo Holder, el noruego Edward Munch autor de la obra El grito en 1893, considerada un símbolo de la emoción delirante, que muchos artistas han introducido, con posterioridad en sus obras de arte. Con el estallido de la Segunda Guerra mundial, el grupo se extingue pero la visión de los incendios, los mutilados y la desolación y tristeza que asedia los pueblos y ciudades de Europa, impulsa a los pintores a traducir el dolor y la locura en su arte.

James Ensor, Belgian, 1860-1949
” Intrigue” (1911)


Max Schmidt (1914)
Oscar Kokoschka

Oscar Kokoschka
, herido durante las acciones bélicas se convierte en el mentor de los jóvenes pintores y su obra, en una manifestación de la repugnancia por la degradación de la humanidad. "La pintura no tiene tres dimensiones, sino cuatro. La cuarta es una proyección de mí mismo" , son las palabras que definen el carácter expresionista de su pintura. En su obra La tempestad, se plasma de forma simbólica a él mismo y a la mujer que ama, en un reflejo de perpetuidad de la pasión y el amor, a pesar de la maraña de adversas circunstancias. Poderosa fuerza, intensidad emocional y brutal misticismo son expresados en esta obra síntesis del Expresionismo, plasmado desde las intensas formas y siluetas de negros trazos gruesos y arremolinadas manchas cromáticas que nunca abandonarán la obra de Kokcoschka.


Mediante la deformación con la que reforzaban la expresión, querían representar la "realidad real", es decir, la esencia de las cosas, lo que no puede verse, sino sólo sentirse. En 1911, el galerista Herwarth Walden dio a esta concepción artística el nombre de expresionismo, derivación del francés expression. Con este término recogió en un principio todas las representaciones artísticas que se alejaron de la representación fiel de la realidad, así como también el cubismo y el futurismo.

Nace el expresionismo abstracto
E l expresionismo abstracto fue un movimiento pictórico de mediados del siglo XX cuya principal característica consiste es la afirmación espontánea del individuo a través de la acción de pintar. Existe una gran variedad de estilos dentro de este movimiento que se caracteriza más por los conceptos que subyacen en él que por la homogeneidad de estilos. Como su propio nombre indica, el expresionismo abstracto es un arte no figurativo y, por lo general, no se ajusta a los límites de la representación convencional.


Las raíces del expresionismo abstracto se hallan en la obra no figurativa del pintor ruso Wassily Kandinsky , y en la de los surrealistas, que de forma deliberada utilizaban el subconsciente y la espontaneidad en su actividad creativa. Las circunstancias del nacimiento de este movimiento en América del Norte están vinculadas a la importante participación de Estados Unidos en la vida artística internacional. La segunda guerra mundial había de dar a Estados Unidos el pleno sentido de madurez, y es ahí cuando el público americano comienza a creer.


Jackson Pollock
Se descubre con sorpresa "el arte americano", que en general se tiende a considerar en el desarrollo del expresionismo abstracto como un fenómeno típicamente neoyorquino, sin olvidar la influencia de los centros de la costa americana del pacífico: Seattle y San Francisco. El compromiso artístico se concibe como una aventura. Los artistas que vivieron en San Francisco y que afirmaron su estilo personal, después en su mayoría se establecen en Nueva York donde se convirtieron en protagonistas de este estilo. La figura culminante del expresionismo abstracto en la pintura norteamericana: fue Jackson Pollock.


Características conceptuales
Buscan diferenciarlo del expresionismo originario de Europa, ya que es considerado un arte en gran formato que privilegia la creatividad. Y a diferencia del expresionismo europeo desarrolla su arte con un gran formato. Sus características son:

La improvisación
La espontaneidad
importa la inspiración y se privilegia la libertad del pintor.
los dibujos no se usan, ya que la obra surge del chorreo de pintura sobre el lienzo.


Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por la obra de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre.

Murnau: “La salida a Johannstrasse” (1908) y “Pintura con tres manchas” (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno: no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el lenguaje musical, del que tomaban los títulos. Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor.


Murnau

En 1912 publicó “De lo espiritual en el arte”, primer tratado teórico sobre la abstracción, que difundió sus ideas por toda Europa. Después de la I Guerra Mundial sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, a medida que se alejaba del estilo fluido de su primera época para introducir trazos muy marcados y diseños claros.  

Ernst, Max
Ernst, Max (1891-1976), artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el Movimiento Dadá como en el surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas donde las figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión ( L'eléphant célèbes ) , 1921, Tate Gallery, Londres).


En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz); más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera).

Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial, en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización.


Hofmann, Hans (1880-1966), Recibió influencias del fauvismo, del cubismo y del expresionismo alemán. Después de 1940 su estilo, en el que se mezclan los planos cubistas con la brillantez de la paleta fauvista, como puede observarse en Fantasía en azul , comenzó a evolucionar hacia una pintura gestual. Durante esos años muchos pintores expresionistas abstractos acudieron a sus clases absorbiendo sus enseñanzas sobre el arte no representativo.  

Hofmann, Hans

Kooning, Willem
Kooning, Willem de (1904-1997), pintor estadounidense de origen holandés, perteneciente al expresionismo abstracto, que ha tenido una enorme influencia de ámbito internacional en los estilos artísticos posteriores. Durante la década de 1930 pintó murales dentro del programa de arte de la administración federal, dando muestras de conocer profundamente a Picasso, más que cualquier otro artista de la época excepto Arshile Gorky. En 1948 expuso por primera vez en Nueva York una serie de obras abstractas realizadas en blanco y negro, lo cual le situó como uno de los creadores más significativos del expresionismo abstracto de la escuela de Nueva York.


El término action painting se aplicó por primera vez a la obra de Willem de Kooning y hace referencia a sus trazos vigorosos, amplios y muy marcados. En 1953, Willem de Kooning mostró al público un conjunto de seis obras denominadas Mujer, figuras demoníacas pintadas con colores violentos y gruesos empaste. Era una serie innovadora porque unía la pintura figurativa con el arte abstracto. A finales de la década de 1950 evolucionó hacia un estilo más abstracto en sus obras, que evocan formas paisajísticas y, desde entonces, alternó el estilo figurativo y el abstracto, combinándolos en ocasiones. Al mismo tiempo también hizo litografías y, desde 1969, esculturas figurativas en bronce. En 1980 ganó junto al español Eduardo Chillida el Premio Andrew W. Hellon en el Pittsburgh International. En el Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York se celebró en 1983-1984 una exposición retrospectiva de su obra.


Gottlieb, Adolph (1903-1974), pintor expresionista abstracto estadounidense. Entre 1941 y 1951 pintó una serie de obras, influido por el surrealismo europeo, a las que llamó pictografías, que consistían en dividir los cuadros en una serie de compartimientos que rellenaba con símbolos procedentes de la fantasía y del inconsciente. Ejemplo de esta serie es El retorno del viajero. Las obras de su serie Paisajes imaginarios (1951-1956) son composiciones parcialmente abstractas, que están divididas por una línea horizontal y en las que aparecen unos discos u ovoides que representan el Sol. Su última serie, Explosión (a partir de 1957), muestra unos estallidos de grandes esferas de color que recuerdan a cuerpos solares.

Gottlieb, Adolph
 

 

 
 
 
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